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VLADIMIR HOROWITZ The Unreleased Live Recordings 1966-1983 CD30 Orchestra Hall, Chicago April 8, 1979 SONY CLASSICAL
LUISADA SCHUMANN Jean-Marc Luisada(p)　RCA SICC 19025 2018年　ほか

さて、弾いてはいけない旋律が存在するのは、シューマンのフモレスケop.20です。この曲の楽譜を観ずに演奏を聴いた人が、その旋律に気付くことは、10－6.5÷58×10≒9割がたありません（数式の根拠は後述）。では気づく1割はどういう場合か。それは禁を犯し、山の神の戒めに背いた猛者たちのプレイに運よく巡り合った場合のみです。

弾いてはいけない旋律のせいでしょうか。シューマンのフモレスケ op.20は「シューマンのピアノ曲の中でも優れた作品の一つ（ピティナ・ピアノ曲事典）」と言われる割には国内版の楽譜が全音からも音楽之友社からも出ていません。かろうじて春秋社のシューマン集の第4巻に収められている程度です。この旋律の存在に気付かせないようにしているのでしょうか。あぁ、おそろしや、おそろしや。

さて、フモレスケの構成はWikipediaに従えば7つの部分からなります。このうちの第2部 「Hastig（性急に） ト短調、4分の2拍子」の譜面を観ると、通常のピアノの2段楽譜の真ん中にもう一段、（Innere Stimme）と書かれた旋律があります。Innere Stimmeとは「内なる声」。これが「弾いてはいけない旋律」なのです。ただし、この旋律をどう扱うかはシューマン自身は何の指示も残していません。春秋社から出ている井口基成版の譜面には「この“Innere Stimme”ということころは実際には弾かれない。しかし演奏者は音列の動きの中にこの声を感じとっていなければならない」と注釈があります。では「弾いてはいけない」とは誰の戒めなのか。ヘンレ版楽譜の解説にそれは記されています。1883年にシューマンの山の神クララがフモレスケについて書いた手紙。要約すれば「この旋律を弾いてはいけないわ。感じるのよ。夫だってそう思っていたに違いないわ。」　つまり、この旋律は、

Don‘t Play, Feeeeeel !!　

なのです。この旋律を弾くことは、クララ神の逆鱗に触れるのです。弾かずに感じるものなのです。

でも、この旋律、いくら演奏者が Feeeeeel !!してても聴き手にその存在が伝わるのでしょうか。よく見るとタイがあったりスラーがあったり休符があったりします。確かに右手の細かな音型の中からInnere Stimmeの音を拾うことは出来ますが、タイ、スラー、休符は無理のような気がします。では実際の演奏はどうか。ここで第７回に続いてGoogle Play Music（GPM）様の登場です。GPMで「Schumann Humoreske Hastig」で検索すると58種類の演奏が出てきます。

山の神クララが「弾くな」と言っているのに弾いちゃってる人、いますねぇ。しかも大物まで。

この中ではやはりというか流石がHorowitz（録音はライブで３種類）。彼は「内なる声」の出だしの一部だけを弾き、「あれれ？もう一つ旋律がありそでなさそでなんだろな？？？」という状況を創り上げます。これなら聴き手も多少Feeeeel！できるかもしれません。見事な演出法です。特に1979年4月8日のライブで弾いた際は、1回目は「内なる声」を少し弾くものの、繰り返しの際はほとんど弾かないというニクい演出もしてきます。この“繰り返しでは弾かない”はこの日の演奏だけで、その直後の2回の演奏会では繰り返しでも「内なる声」を部分演奏します。ただ、Horowitzは「内なる声」の後半の休符のところに音符を付け加えて旋律線を創ってしまうということもします。ですので、譜面に書かれた「内なる声」を完全に感じ取るのは不可能でしょう。ですので「内なる声に気付く計算式」でHorowitzは0.5カウント。GPM上の58人の演奏で、0.5+6=6.5人が「内なる声」を奏でるので先述の計算式となります。

さて、完全に弾いちゃった6人の中で「内なる声」を最も綺麗に歌わせてるのがルイサダ（新録）です。時折、旋律を鳴らすタイミングを拍子から微妙にずらしたりして「内なる声」を情感豊かに際立たせます。タイやスラーや休符もきちんと表現しています。聴き手もこの演奏で初めてシューマンの書いた「内なる声」の実態がわかるのです。山の神が何と言おうが、作曲家が書き込んだ音符をきちんと伝えるんだという決意が伝わってきます。シュミットもメルレもGorbunovaも同様に弾いてはいますが、ルイサダの方が「内なる声」の扱いが丁寧と思います。リヒテルはまさにHastig（性急に）といった感じでこの第2部に挑み、高速フレーズをバックに「内なる声」を打ち響かせます。でも「内なる声」の表出具合としてはちょっと荒いかなぁ。右手の高速フレーズが内なる声と同じ音を叩くときの音が大きすぎて、「内なる声」が付点付きのポップな旋律に聴こえてしまうところが多々あります。まぁ他者と比べて圧倒的にテンポが速くて勢いがあるので仕方ないのかもしれません。もっとも奇妙な演奏は、年代物のピアノフォルテで演奏したピート・クイケン盤。何度聴いても連弾に聞こえます。フモレスケの他の部分の演奏ではこんな聴こえ方はしないので偶然かとは思いますが、この書法が作曲当時のピアノなら醸せた効果だったとしたら、それはそれで面白いことかもしれません。

弾いてはいけない、と言われてすごすご引き下がるようではいけません。他の奴が弾かないなら俺が弾く、俺のピアノでFeeeeeel!!!させてやる。人前で芸をする人はそれくらいの根性が必要です。なお、何の予備知識もなしにこの譜面を見ると「Innere Stimme」は“単なる内声の旋律”に見えるので、ただ素直に弾いちゃった人も6人の中に含まれているような気がしますが、ま、そこは気にしないで行きましょう。

（補記）

1. 弾いていない58人の中に細かく動く右手のフレーズから「内なる声」を出そうとしたのではないかと思わせる人は何人かいます。たとえばFilippo Gambaとか。しかし、タイや休符含めて感じさせようとした、までは行っていない気がします。
2. 諸々の引用は文中に記してあります
3. 井口基成版の注釈の出典はわかりません。クララの手紙は未公開資料だったので、井口が知っていた可能性はあまり高くない気がします。井口本人の解釈の可能性もありますが、詳細不明です。
4. ありがたいGoogle Play Music様はまもなくサービスが終了します。どうやらYouTubeに吸収合併されるようです。使い勝手が落ちて欲しくないなぁ。

【紹介者略歴】
吉池拓男
元クラシックピアノ系ヲタク。聴きたいものがあまり発売されなくなった事と酒におぼれてCD代がなくなった事で、十数年前に積極的マニアを終了。現在、終活＋呑み代稼ぎで昔買い込んだCDをどんどん放出中。

Anton Rubinstein 　Marius van Paassen(p) ATTACCA Babel 8741-4 1988年頃
Live at Carnegie Hall　Wibi Soerjadi(p)　PHILIPS 456-247-2 1997年

19世紀ロシアの大ピアニストにして作曲家アントン・ルビンシテインのop.93は、「色々な作品集」と題され、おそらくは書き溜めていた大小さまざまな24曲が寄せ集められています。この中に1曲、桁外れに規模が大きく、全曲演奏すると30分近くかかる大変奏曲があります。その名も「Variations sur l’air Yankee Doodle」。和訳しましょう、「アルプス一万尺による変奏曲」です。楽譜はIMSLPにありますのでご覧いただければと思いますが、荘重な序奏に続く主題、そして40くらいの変奏からなる力作です。

作曲のきっかけは1872年のアントン・ルビンシテイン・アメリカ大巡業でした。この時の演奏旅行は8か月に及び、演奏会の数はなんと215回。8か月と言うと240日くらいですから、連投に次ぐ連投の地獄の“営業”だったと思われます。しかし、おかげでしこたま儲けたそうで、帰国後に現地で聴いたメロディを基に気をよくして書いたとされるのがこの変奏曲です。変奏曲というわりには、主題があまり崩されずに繰り返し出てきます。かなりの時間「アルプス一万尺」のてんこ盛りとなります。これが実はなかなかにキツい。

【キツいとこその１】

日本人にはこの曲は「アルプス一万尺　小槍の上で　アルペン踊りを踊りましょう」の歌詞が幼時体験的に染みついています。なのでメロディが聴こえるたびに呪文のように歌詞が脳内に木霊し、アルペン踊りを踊りたくなります（*1）。さらに筆者の場合はもっと深刻で、昭和3年生まれの父親が酔っぱらうと「どうせやるなら　でっかいことやろう　奈良の大仏　屁で飛ばそう」と歌っていたものですから、大量放屁誘発音楽にしか聴こえません。前述したように変奏曲のくせにメロディーが温存されて繰り返し出てきます。キツいです。さらにこれらの歌詞に続く部分は「らんららんららんらんらん」ですから、脳内御花畑が満開咲き乱れとなります。とてもキツいです。ちなみにWikipediaによれば原詞もあまりろくな内容ではありません。

【キツいとこその２】

かように人口に膾炙されまくった脳天気快晴音楽なので、この曲を人前で弾くこともさることながら、練習することすら……恥ずかしい……感じになります。とはいえアントン・ルビンシテインの作品ですから結構難しいのです。なのにアルペン踊り（筆者は大量放屁）の連呼ですから、「いいのか俺、こんなことしていて本当にいいのか、もっと他にやるべきことがあるのではないか」と、レパートリーにしようと思った自己嫌悪との戦いがピアニストの前に立ちはだかります。ここまでピアニストにその在り方を迫る難曲は、グレインジャー編曲のチャイコフスキーのピアノ協奏曲独奏版（序奏部だけで見事終了）、クルサノフ編曲の「渚のアデリーヌ」くらいかも知れません。

かような困難を克服し（？）、1987年にこの曲を録音したのはオランダのピアニスト、Marius van Paassenです。デビューアルバム「20世紀音楽の中の動物たち」が即完売になった経歴を持ち、最近は自作曲のアルバムなどを出しているようです。1986年にルビンシテイン作品のコンサートを開き、翌年このアルバムを録音します。Paassen氏はその間1年以上アルペン踊りを踊り続けたと思われます。さすがのPaassen氏もこの曲の指示する繰り返しはすべては行いません。全曲を23分30秒で弾いていますが、もし原曲の繰り返しをすべて行っていたら30分程度になったと思われます。だって、無理ですよ、この曲……らんららんららんらんらん……ですからねぇ。ともあれ、よくぞ、ここまでやってくれたものです。

さて、アメリカ巡業から帰国後の作曲なので、ルビンシテイン本人はこの長大変奏曲をアメリカでは弾いていないと思われます。では、こんな感じの曲をアメリカ人の前で弾いたらどんなリアクションになったのか。それを彷彿とさせるアルバムがあります。Paassenと同じオランダのピアニスト、Wibi Soerjadiがルビンシテインのツアーからおよそ120年後の1996年11月22日にカーネギーホールで開いたコンサートのライブ盤です。Soerjadiは19世紀以来の伝統に則り、その場のお客さんにウケそうな曲、たとえば人気ミュージカルナンバー、映画音楽などを豪華絢爛なピアノ曲に仕立てて弾くことを“お約束”にしています。で、この日のコンサートのラストを飾ったのが、Soerjadi自作の「アメリカ幻想曲（*2）」。盛大なアルペジオとオクターブ進行でアメリカの楽曲をド派手に飾り付けた7分弱のお見事お馬鹿ピアノショーピースです。当然この日の演奏会のラストの出し物。19世紀ッぽい盛り上がるイントロに続いて「星条旗よ永遠なれ（国歌の方）」がブ厚い和音と駆け巡るアルペジオで始まると、会場からはやんややんやの歓声と大拍手！　その後、アメリカの古典的人気ナンバーが次々と出て、ラスト2分くらいは、いよっ、待ってましたぁ！「Yankee Doodle（アルプス一万尺）」のオンパレード！あの手この手でアルペン踊りをデコレーションしてから最後にもう一度国歌を朗々と歌い上げて、19世紀スタイルの華麗なるエンディングでフィニッシュ。会場は歓喜の絶叫に包まれます。ピアニストも聴衆もいいノリで、この日の演奏会はまさに“熱狂的”だったと伝えられています。ほんと、見事な“営業”です。

筆者にとっては大量放屁の誘発音楽でも、海を越えた世界ではそのパワーは国民のアイデンティティとなり、愛国の坩堝の絶頂へと誘う。音楽というものは本当に奥が深いとしみじみ感じ入る2曲でございました。

（*1）昔から山好きの間では議論となっているが、アルペン踊りがどういう踊りかは全く不明である。また「小槍」は北アルプスの槍ヶ岳の脇に実在する岩峰で標高は3030ｍ、ちょうど一万尺となる。ただし、岩登りの専門家しか登れない急峻な岩峰で、その頂上は極めて狭く、とても踊りを踊ることは出来ないといわれている（ネット上にはチャレンジ動画多数）。なお「小槍」を「子山羊」と聞き間違えて動物虐待ソングと思うのは定番のあるあるである。

（*2）冒頭部分に欠落があるが、Soerjadiが別の機会で弾いた「アメリカ幻想曲」の動画がある。

【紹介者略歴】
吉池拓男
元クラシックピアノ系ヲタク。聴きたいものがあまり発売されなくなった事と酒におぼれてCD代がなくなった事で、十数年前に積極的マニアを終了。現在、終活＋呑み代稼ぎで昔買い込んだCDをどんどん放出中。

Carl Filtsch THALBERG-CHOPIN-LISZT 　Leonhard Westermayr(p) MŪNCHENER MUSIK SEMINAR MMS 2616 1998年
The Art of the Piano Transcription　Kevin Oldham(p)　VAI VAIA 1104 1995年

スタッカートは、通常その音符の音価の半分くらいの長さに音を短く切って弾くことをいいます。ピアノでもポンと跳ねるように短く鍵盤を推すとスタッカートができます。では、音が延びるダンパーペダルを踏みながらスタッカートを弾くとどうなるでしょう。ピアノ演奏の教科書には、音が延びるペダルを踏んでもスタッカート奏法で弾けば音の響きや音色が変わり、適切なペダリングによってスタッカートが表現できると書いてあります。でも、それ、本当ですか？　演奏者が思うほど、ペダルを踏んだらスタッカートは表現できないのではないでしょうか？　

たとえば、ショパンの名曲、夜想曲第13番ハ短調 op.48 no.1の最初の部分の左手の伴奏はスタッカートで弾けと指示があるのを、聴いただけでわかる人、いますか？　この曲の冒頭から23小節間、哀しく美しくメロディーを支える伴奏部の音にはみなスタッカートの印が付いているのです。しかも同時にペダルも踏めと私の知る限り全ての版の楽譜に書いてあります。改めてお尋ねします。ショパンの夜想曲第13番の冒頭から23小節間の左手が全部スタッカート指示付きだというのが、聴いてわかる人、いらっしゃいますか？　ルービンシュタインもチェルカスキーもアシュケナージもポリーニもアルゲリッチも改めて聴きましたが、まったくスタッカートには聴こえませんでした。きっと私の耳が鈍感なのでしょう。

で、世の中いろいろなピアノ弾きがいるわけで、「だってここスタッカートで弾けって書いてあるじゃん」と、本気でスタッカートで弾いた演奏があります。弾いたのは1976年ドイツ生まれのLeonhard Westermayr、とっても無名ですが数枚のCDは出しているようです。彼は1998年にCarl Filtsch（カール・フィルチュ、ショパンの弟子で14歳で亡くなった）のピアノ曲の世界初録音アルバムを出します。このアルバムの余白にショパンやタールベルク、リストの曲を入れていて、その中にショパンの夜想曲13番があります。冒頭から23小節、Westermayrはペダルを使わずに左手をスタッカートで弾き続けます。その朴訥なポツポツ感たるや、この曲の麗しい美しさを吹き飛ばし、すねたおネエの世迷い言のようになります（イメージCV:深沢敦）。でも「だってスタッカートなんだもん」の熱い主張は伝わってきます。Westermayrは同じアルバムに収録されたショパンの即興曲第1番の中間部でも左手のスタッカーティッシモをかなり克明に出してきます。この辺のこだわりは面白いものです。ちなみに同アルバムに収録されてるリストのハンガリー狂詩曲第2番では自作のちょっとホロヴィッツぽいカデンツァを弾いています、

さて、スタッカートへのこだわりならば、デビューアルバムが「TUTTO STACCATO」（全部スタッカート）、続くアルバムが「SOLO　STACCATO」（スタッカートだけ）であるMalco Falossiを挙げるべきなのですが、何度聞いても彼の演奏はスタッカート重視に聞こえません。アルバムタイトルの英語訳が「All Detached」であることから、奏法としてのスタッカートを単純に意味しているのではないのかもしれません。では、こだわりのスタッカート弾きがないかと言えば、思い当たる演奏が一つ。33歳で病死したアメリカの作曲家Kevin Oldhamが遺したリスト編曲のバッハ「前奏曲とフーガ イ短調 BWV.543」の録音です。この演奏はスタッカートというよりは徹底したノンペダルという方が正しいかもしれませんが、延ばす音と短く切る音を明確に弾きわけ、おそらくはダンパーペダルはほとんど使わずソステヌートペダルを多用して驚異的な演奏を繰り広げています。曲の冒頭から遅いテンポのスタッカート弾きに驚きます。私の持っている譜面にはそこに「（legato）」という表意記号があるのですが、legatoとは全くかけ離れたアプローチで開始します。その後も曲全体に渡り16分音符の動きはほぼスタッカートで弾き、より長い音価の音符との弾き分けを明確にしていきます。特にフーガが凄い。オルガン曲のピアノ編曲、しかも編曲者がリストであるために随所に手ごわい書法が待ち構えているのですが、完璧なスタッカートコントロールで各声部を紡ぎ、バッハの音楽の多層構造を一層明らかにしながら迫ってきます。恐ろしい指の制御力です。ふと、もしグールドがこのリスト編曲の録音を遺していたらこんな演奏になっていたのではないかという幻も過ります。Oldhamはこのアルバムの他の演奏でも、ノンペダルっぽいパラパラした感触の演奏をいくつか行なってますが、衝撃度・完成度ではBWV.543が頭抜けています。

ピアノのスタッカートは多くの弾き方があり、それとペダリングの組み合わせで、様々な表現が可能です。しかしそんなこと抜きにして、露骨に分かりやすくスタッカートを描くことも、ピアニストの採ってもよい戦略と思います。だって、スタッカートなんだもん！

【紹介者略歴】
吉池拓男
元クラシックピアノ系ヲタク。聴きたいものがあまり発売されなくなった事と酒におぼれてCD代がなくなった事で、十数年前に積極的マニアを終了。現在、終活＋呑み代稼ぎで昔買い込んだCDをどんどん放出中。

【設問１】

次の図表は、イタリアのピアニスト、マルコ・ファロッシが1997年に発表したCD「SOLO STACCATO」の解説に掲載されたものです。図表をよく読み、以下の問いに答えなさい。

• 図表の（1）と（2）に入る対になる適切な語句をそれぞれ答えなさい
• それぞれ二カ所ずつある図表の(a)~(e)に入る適切な語句を答えなさい
• （3）のBlumenfeldの項目は図表の右半分のデータがありません。その理由を答えなさい
• 図表の最終行は各項目の数値の縦の合計が記されています。（4）の2項目の数値が多い理由をマルコ・ファロッシの歴史的背景を交えて説明しなさい。

【設問２】

ヒアリング問題です。次の楽曲はある生物の姿を図形楽譜化したものです。曲をよく聴き、描かれている生物の名前を答えなさい。解答にあたっては机上配布した五線紙をメモとして利用するのは構わない。

補記：この問題集で紹介した参照用のヒアリング音源はYouTubeのものであり、映像を見ると答えが映ってしまうので、受験生がこの過去問題に取り組む際は必ず音声だけを聴くようにしてください。

【解答解説編】

みなさん、今年の入試問題は如何でしたか？　魔煮悪をお受けになろうという方でしたら、さほど悩むところはなかったのではないでしょうか。日ごろから大手の提供する基礎的なCD以外にもきちんと目を配って勉強しているかどうかが問われますね。

では設問の1を解説しましょう。この問題を解くカギは図表の数値が何を表しているかを読み解くところですね。図の右側にTOT.（計）とDUR.（尺）とありますね。おおむね尺が長いほど計の数字が多い、つまり曲が長いほど多いもの、ということがわかります。聴衆の鼾、ではありませんよ、もうお分かりですね、そう、音符の数です。そうすると図表自体は10の項目の音符の数を楽曲ごとに表したものとわかります。しかも楽曲はピアノ曲。ここまでくれば問1と問2はおのずと解けると思います。ぢっと手を見て考えてください。はい、（1）の答えは「左手」、（２）は「右手」ですね。当然2カ所ずつある（a）～（e）はそれぞれ、小指、薬指、中指、人差し指、親指となります。ピアノ曲の演奏において左右の10本の指がそれぞれ何回鍵盤を叩いて音楽を構築しているかを計数して掲載した、おそらく音楽史上初のCD解説書からの設問ですね。歴史的な奇書ですから魔煮悪を受けるような方なら何度も目にされていることでしょう。私の解説を待つまでもなく問1～2は脊椎反射的に書き込めるようでないと、魔煮悪に入ってから苦労することになりますよ。

さぁ、ここまで来れば問3はサービス問題。作曲者がBlumenfeldで右半分のデータがない、すなわち左手だけで弾く楽曲、そして尺は4分程度。答えは「Blumenfeldの左手のための練習曲 op.36を演奏したため」ですね。魔煮悪の採点基準からすると単に「左手用の曲を弾いた」だけでは減点対象になりますよ。曲名をしっかり書き込むこと。さらに“Godowskyに献呈された”と加えれば付加点が期待できますね。

問4、これは難問です。合否の分かれ目はこの問題にあるといっていいでしょう。しかもファロッシの歴史的背景を交えて説明しなさい、とありますのでイタリアのピアノ教育史の知識も必要ですね。正解はこの解説を著したイタリアのイケメンバカテクピアニスト、フランチェスコ・リベッタ先生の論述に沿って書くのが模範解答となるでしょう。たとえば、

「ファロッシは、名教師カルロ・ヴィドゥッソの流派であるピエロ・ラッタリーノの下でピアノを学んだ。同じ流派にはあのポリーニもいる。ヴィドゥッソは音符一つ一つに大きな重要性があると考えたため、門弟たちはみな美しい響きを求めて、音符一つ一つを丁寧に読み取り紡いでいく傾向にある。ファロッシはこの考え方をさらに推し進め、楽曲の演奏において各指が音符をいくつ弾いているかを計数した。その結果、手の筋構造から考えて最も弱い左右の薬指の弾く音符が少なく、最も強靭な左右の親指が最多の音符を奏でていることが明らかになった。これは指の完全かつ自律的な制御という視点から重要な示唆を含んでいる。」

となるでしょう。多少、ファロッシとリベッタ先生の独自理論の面もありますが、CD史上類を見ない指ごとの打鍵数計上文献の歴史的意義に触れておくことは、魔煮悪の道には欠かせない通過儀礼と考えます。なお、ファロッシはアルバムタイトルにもあるようにスタッカート奏法にこだわり、全曲この奏法で弾いているようですが、ピアノは延音ペダルを踏むとスタッカートの意味が薄れてしまいますね。ま、それでも感触的には確かにパラパラとした音創りで、伽藍のような響きや音楽としての感情の大きなうねりよりも、粒立ちの良い音で楽曲自体をサラサラっと構築しています。このパラパラサラサラ感が指ごとのスタッカート打鍵数の計上というこだわりに繋がっているのでしょうね。

設問2のヒアリングテストは如何でしたか？　弾かれている音楽をすぐに脳内で楽譜に起こせましたか？　魔煮悪のヒアリング試験ではメモ用に五線紙も配られているので、速記が得意な人は試験中に譜面に起こしても構いません。この問題のポイントは、楽譜のどこで折り返して次の段に行くのか、ですね。正しい所で次の段に行けば自ずと楽譜が図形化されてきます。さて、その形は。はい、蝶々ですね。ただ、ちょっとナイトラウンジピアニストの指鳴らしっぽいので、蛾、と答えてしまう人も多いのではないでしょうか。しかしこの音像からは明らかに明るい陽射しを感じます。まぎれもなく蝶々です。楽譜面だけに囚われていると音楽そのものの本質を見失ってしまうという、ま、深遠なテーマを孕んだ引っ掛け問題ですね。気を付けましょう。魔煮悪の教育現場で重要視される楽曲は譜面として存在していないものが沢山あります。演奏音源だけを聴いてすぐに再現演奏ができる、耳コピ譜面が作れる、は入学後の高成績につながりますので、ぜひともこの学力を磨いていただければと思います。

それでは、受験生の皆さんの奮闘努力を心より期待し、来年には立派な魔煮悪生になっていることをお祈りいたします。

出典：SOLO STACCATO　Marco Falossi (p) 伊 IKTIUS IKT 022  1997年

【紹介者略歴】
吉池拓男
元クラシックピアノ系ヲタク。聴きたいものがあまり発売されなくなった事と酒におぼれてCD代がなくなった事で、十数年前に積極的マニアを終了。現在、終活＋呑み代稼ぎで昔買い込んだCDをどんどん放出中。

Mozart  TUTTI  I  FRAMMENTI（断片全集）、SONATA K.545、333　Marco Falossi(p) 伊iktius IKT025
（参）SOLO STACCATO  Marco Falossi(p) 伊iktius IKT022　1997年　より　Figura sonora teshio

さて、この有難さの極みのような楽曲を作曲し演奏したのはイタリア人ピアニストのMarco Falossi。彼が1999年に録音したモーツァルトアルバムは企画・内容ともにあまりに特異的でした。収録されているのはピアノソナタK.545とK.333、そしてピアノ作品の断片44曲（断片全集と銘打ってます）、それと上記の楽曲含むモーツァルトネタの自作曲２曲です。一見するとモーツァルトの肖像図形楽譜や全集と豪語している断片集に目（耳）を奪われますが、このCDの衝撃は紛れもなくソナタの演奏にあります。まず、ソナタK.545。ピアノ初心者用の定番楽曲として有名ですが、Falossiはとにかくやたらと速い。しかし速いことならグールドの前例があります。問題は第2楽章、繰り返しがあると片方がPresto並みの速さになり、繰り返しのない後半は高速と低速がコロコロ入れ替わります。もう何がなんやらわかりません。繰り返しを全部やって3分21秒ですから恐れ入ります（ちなみにピリスは6分04秒）。終楽章も突然の停止や急加速急ブレーキという仮免すら受からないような演奏です。K.333のソナタもかなりの快速演奏。しかも所々で入る妙な“間”。第1楽章の最後辺りでは楽譜も一部変えてます（こういうバージョンがあるのか？？？）。第2楽章は最終小節以外は比較的穏当に弾いています。ところが第3楽章では途中の短調になる数小節（65小節～、175小節～）をいきなり緩徐楽章並みのローテンポで弾くという荒業をかましてきます。当然、その短調部分が終わると何事もなかったかのような快速進行です。もう、おじさんはついていけません。

CDではソナタの後にモーツアルトのピアノ小品断片が44トラック入っています。本当に「断片」なので曲によっては5秒で突然終わります。フーガの作りかけなど対位法的作品が多く、しかも短調のものが多いのも目立ちます。これが全曲完成してたら結構凄いことになったんではないかと思わせる断片もあり、儚い夢に遊ぶことができる44トラックです。これはこれで史料価値は高いですね。

アルバムの最後を飾るのはFalossiが創った2曲。一つが最初にご紹介した「Figura sonara Mozart」。Falossiは最近もこの曲を弾いていてYouTubeで演奏映像を公開しています。もう一つはモーツァルトの断片をつなぎ合わせて再構成した「Pasticcio su framment di Mozart」。特に派手なお遊びをすることなく聴いた感じは“まともにモーツァルトの曲”です。ひねくれものの私からするとちょっと物足りないかな。

いずれにしろこのアルバムは、どうみてもヘンな奴 Marco Falossiならではの超個性的仕上がりです。逆に山のようにモーツァルト演奏・企画がある中で光彩を放つなら、このくらいやらないと意味がないという深い教えも包含しています。ま、放った光彩が何色だったか、どこまで届いたかは別として。

で、このヘンな奴。このアルバムの少し前にもっとイカレたアルバムを出しているのですが、それはまた次回。

【紹介者略歴】
吉池拓男
元クラシックピアノ系ヲタク。聴きたいものがあまり発売されなくなった事と酒におぼれてCD代がなくなった事で、十数年前に積極的マニアを終了。現在、終活＋呑み代稼ぎで昔買い込んだCDをどんどん放出中。

Kresleriana – Alexandre Bragé(p)  art clasiccs ART-276  2013年
ROBERT SCHUMANN – Marc Ponthus(p)  BRIDGE 9514 2019年

この2枚のCDには共通した奇異があります。シューマンのクライスレリアーナは全8曲なのにブラージェの盤のトラック数は7、同じく幻想曲op.17は3曲からなるのにポンザスの盤のトラック数は２。足りないのです。このトラック数の足りないところに二人の熱い想いが込められています。まさにトラック少牌が変人……いやいや個性派の証なのです。

シューマンも驚きのフランケンシュタイン的トラック錬成

第6回で紹介したブラージェが2013年に出した「Kreisleriana」は、前半がバッハのパルティータ6番、後半がクライスレリアーナという組み合わせです。バッハは線の細さと粘り気が混在する演奏で、特に悪戯をするわけでもなく、実にきちんと弾いています。逆に言えば無名のピアニストにちゃんと弾かれても「だから何のさ」です。強いて言えばAirの引っかかるようなフレージングが変なのと、終曲のGigueがわりと遅めで、Gigueというより「終曲のFugue」という重さで弾いていることが特徴でしょうか。

で、アルバムタイトルのクライスレリアーナです。冒頭に挙げたように全8曲なのにトラックは7つしかありません。7曲目と8曲目が１つのトラックになっているためです。ここでトンデモないことをブラージェは仕掛けて来ます。

それではまず順に1曲目から。時折、妙なアクセントや加速を見せるギクシャク感のあるアプローチです。続く2曲目は1838年版の方を弾きます。最後に主部のメロディーが帰って来るところで、独自の駆け上がりフレーズを入れます。これはそんなに悪くない。エンディングも少し音を足してます。3・4曲目はノーマルな仕上りですが、3曲目の28小節目で音型が前後と違うところは無視してます（私は賛成）。5曲目は中間部のテンポをかなり落として、一瞬、レチタティーヴォか？と思わせるような演出をします。6曲目、Etwas bewegter（やや早く）の後半部分、妙に跳ねて速くなります。これは違和感大だなぁ。そして7曲目。10小節目くらいからの熱くなる部分を、弱めのいわばアラベスク調で弾きます。これはこれで面白い。で、いよいよトラック融合部分。ブラージェは7曲目の最後の7～8小節と8曲目の頭の8小節を細かく切り刻んでから交互に並べて直して一体化するという、神をも恐れぬ所業をかましてきます。確かにこれではトラック分け出来ません。誰もやらない工夫をと、考えに考えたのでしょう。その意気や見事。結果は、違う2曲を切り刻んで交互に細かく並べ直したものですから、音楽的にはぐっちゃぐちゃ。少なくとも私の頭上には疑問符の大星雲です。でも、よくやった。「他人さまとわかりやすく違ってなんぼ」が芸の基本だとの覚悟が伝わってきます。ま、おかげで8曲目は実態上、8小節目の途中から始まります。

そんなブラージェですが2013年のこのアルバム以降、リリースが（たぶん）なく、ネット上でも最近の動静が探れません。どうしているのでしょうね。またどこかで個性炸裂玉砕気味のアルバムを出してくれるとよいのですが……。

ペダルで融合？する楽章と確信犯的楽譜改変

さて、もう一人のトラック少牌はポンザスです。どちらかというと現代音楽専門のピアノ弾きのようですが、なぜかシューマンアルバムを2019年に出しました。確かにシューマンは19世紀前半において過激な現代音楽作曲家でしたから波長が合うのかもしれません。で、当然のように色々仕掛けて来ます。

なんといっても注目はトラックの減少ポイントです。ポンザスは幻想曲の第2楽章（*）と第3楽章を1つのトラックにまとめているのです。彼はCD解説で語っています。「この曲の第3楽章は第2楽章の枠組みの中で共鳴するのだ。」と。そしてポンザスは第2楽章終わりの変ホ長調の主和音をペダルで延々と引き延ばし、その響き中でハ長調の主和音から始まる第3楽章を弾きだすのです。和音的にとってもばっちい世界が広がります。その後、和音が変わってもペダルはしばらく踏みっぱなし。うーーーむ、これが「枠組の中の共鳴」なのか？　素人のヲジサンにはわからんぞ。さらに「第2楽章で高まった活力の遠い共鳴もある。」として、第3楽章の随所でやたら速いテンポや激しめのフレージングをかましてきます。特に最後の1ページの速さは相当なものです。嗚呼、私の頭上にはまたもや疑問符の大星雲が轟々と渦を巻き始めました。ちなみにポンザスは幻想曲の第1楽章でも自己主張を展開します。特に中ほどのハ短調の部分（Im Legendenton）で楽譜のリズムパターンから離れた独自の伴奏音型で攻めてきます。その直後には第3楽章へのつなぎを予見させるような“延々とペダル踏みっぱなし”攻撃も仕掛けます。良いか悪いかは遥か上空の棚に上げて、実に個性的なシューマン幻想曲です。

同じ盤にはクライスレリアーナと子供の情景も併録されています。クライスレリアーナの第1曲の中間部などは他者からは聴いたことのない妙な高速アプローチをかましますが、一番主張の明解なのは終曲。この曲の主題は楽譜上は、

なのですが、ポンザスは「この曲のヴェールに覆われた激しさを解放する。」として、

と変えてしまいます。確かにリズムや旋律は明解になりました。しかも早めのテンポで弾きますので、スケルツァンドな感じは強くなっています。ここは幻想曲の第3楽章以上に明解な自己主張かもしれません（しかもこの方が弾くのが簡単！）。CDは最後に子供の情景を弾いていますが、なぜかまったく素直なアプローチで特筆するところはありません。

楽譜は絶対不可侵な聖域ではなく、演奏家は自己の生存意義をかけて独自のアプローチを仕掛ける。その功罪はともかく「なんか他人と違うことを確信犯として行う」演奏家をきちんと拾い上げて行きたいものです。……ま、たいていはダメダメなんですけどね。

* シューマンの幻想曲op.17の各曲を「楽章」と呼ぶかは意見が分かれるところ。本稿ではポンザス自身が解説の中で「movement」という表現を使っているため。

【紹介者略歴】
吉池拓男
元クラシックピアノ系ヲタク。聴きたいものがあまり発売されなくなった事と酒におぼれてCD代がなくなった事で、十数年前に積極的マニアを終了。現在、終活＋呑み代稼ぎで昔買い込んだCDをどんどん放出中。

Beethoven  Piano Sonatas Vol.1  No.32 in c-minor op.111  Maximianno Cobra TEMPUS collection （CD番号なし）2009年
Liszt Piano Sonata/Cobra Piano Sonata op.7    Maximianno Cobra TEMPUS collection　（配信）　2010年

「テンポ・ジュスト理論（*1）」というトンデモ音楽理論による超遅演奏で2002年頃に話題になった指揮者マキシミアンノ・コブラ。話題がシュンと萎むと変態的遅演奏に付き合ってくれるオーケストラがいなくなったのか（真相不明）、15年前くらいから発表するオケ曲CDがサンプリング音源による電子音合成演奏になっていました。すっかり“あの人は今”レベルになったコブラでしたが、黙々とサンプリング音源による音盤製作は続けており、いつのまにかピアノ曲もその毒牙にかけていたのです。

コブラのベートーヴェン・ソナタ第1集（第２集以降は全く出ていない）には、32番のソナタ１曲だけが収録されています。皆様ご存知のように、フツーは後期3大ソナタとかいって30、31、32番の3曲でCD１枚です。さあ、演奏時間を見てみましょう。

・第１楽章（繰り返しあり）　14分49秒　（参考：鍵聖ぽるりーに　8分53秒）
・第２楽章（繰り返しあり）　33分41秒　（　　　　同　　　　　17分23秒）

……アホか。第2楽章なんぞ通常の第9の第4楽章よりも長いやんけ。われ、ええかげんにせぇ！

と、まぁこうなるわけです。では、聴いてみましょう。正直、第1楽章は耐えられます。コブラの超遅演奏の誉め言葉に良く使われる“作曲者の書いた一音一音の構造が克明に聴こえる”とか“あまりに遅い演奏からかえって深い思索を巡らすことができる”という利点がわからなくもないです。しかし、第2楽章。33分41秒の第2楽章。これを聴くと…………あ、寝てた、まだやってるな、これどの辺だ？遅すぎてわからん……な…………あ、また寝てもうた、まだやってるぞ、深い思索の世界を……zzzzzzzzzz……終わっとるやんけ……酒呑んで寝るか。続きはまた明日。

素晴らしい！　ゴールドベルク変奏曲の数段上を行く催眠効果。聴く者の音楽聴取集中力を根底からえぐり取って永遠の眠りに誘うが如き、至高の睡眠薬です。不眠に悩む皆様へ必需CDとなるかもしれません。しかも。音はチープなサンプリング音源。それだけでもガッカリ感満載で催眠効果抜群です。さすがコブラ。ここでWikipediaの「コブラ科」から「毒」の項を引用しましょう。

本科の構成種が有する毒は神経毒と呼ばれる種類のものである。高い即効性を持ち、獲物となる動物の神経の放電を塞ぐことで、麻痺やしびれ、呼吸や心臓の停止をもたらし、ひいては死に至らしめる。

……あまりに深い納得感。まさに名は体を表す。マキシミアンノ・コブラの演奏の精髄はこの一文に凝縮されています。とにかく「死に至らしめ」られないうちに聴くのを止めるのが最善の策でしょう。

まぁ、ディスってばかりいてもなんですので。こんなコブラの爆遅第2楽章の個人的な賛成点をひとつ。第2楽章の変奏の中で、32分の12拍子L’istesso tempoのところがあります。通常の演奏で、この付点だらけの快速部分のせせこましくてせっかちな感じに凄く違和感がありました。そこをコブラは♩＝60で演ります。鍵聖ぽるりーに様が♩＝90くらいですので1.5倍増しですね。で、コブラのこの部分のテンポ感、わりと納得して落ち着きます。もちろん全体構成と前後との比較の中での問題なのですが、ここだけはそう悪くない、というのが素直な感想です。

なぜか超遅ではない自作曲に見る自家撞着

さて、コブラの鍵盤音楽CDはベートーヴェンの32番以外に何点かあります。これらは今、主にCDではなく配信でリリースされています。たとえばモーツァルトのソナタ集。遅い、とはいえ想定の範囲。サンプリング音源がピアノではなくチェンバロですが、バッハのゴールドベルク変奏曲や平均律もあります。ピアノ音源によるものでは、リストのソナタを46分32秒かけて演るものもあります。これは意外と耐えられます。ま、通常の当社比150％増しくらいで済んでいるとこともありますし、リストのピアノ書法が遅いテンポゆえによく聴き取れるという利点は確かにあります。ただ冒頭のAllegro energicoがあまりに弱々しかったり、第3部の冒頭のフーガ風の部分がひどく淋しげだったり、場所によってはなぜか通常演奏とあまり変わらないテンポ感だったり、サンプリング音源制作の安っぽさが全開したり、と耐え難きを耐える箇所が次々と聴き手に試練としてのしかかってきます。でも、ギリ許せるかな、という演奏です。ただ、詳しくは学んでいませんが、指揮法の観点から発生したと思われるテンポ・ジュスト理論を本当にピアノ曲にまで敷衍してよいのか、大いに疑わしい所ではあります。たぶん大元の音楽学者の論文には「どんな音楽でもOK！」の理論武装があるのでしょうが、それを読み解く気力はありません。

で、問題はリストのソナタに併録されているコブラ自作のピアノソナタです。曲としてはありがちな近現代ソナタ（そんなにゲンダイオンガクではない）で、単一楽章12分くらいの作品です。これ、聴いていて超遅感はありません。高速フレーズも随所にあります。すると現実的に既存の楽曲から高速性を奪いまくったテンポ・ジュスト理論の信奉者が何やってるんだという突っ込みどころが満載となります。テンポ・ジュスト理論の自家撞着がこの自作ピアノソナタの演奏には見え隠れしている気がします。そういう観点からこの曲はリリースしない方が良かったのではないかとジジイの老婆心が鎌首をもたげました。コブラには自作の交響曲の録音もあるようです。ピアノソナタの出来からしてとても聴く気にはなれませんので、真摯に聴いた！という奇特な方はテンポ・ジュスト理論との関連性を検討した上でMuse press社までご感想をお寄せください。

*1：テンポ・ジュスト理論（wikipedia 覆面オーケストラの項の脚注から引用）
コブラが信奉する「テンポ・ジュスト理論」は、オランダの音楽学者ヴィレム・レッツェ・タルスマが1980年代に公表した学説で、古典派の時代には指揮棒の1往復を1拍として数えていた（つまり、この理論にもとづいて演奏されると、指揮棒の1往復を2拍として演奏する現在の通例よりも、単純計算で2倍の時間を要することになる）と主張している。ただし、音楽学界でこれを支持する研究者はほとんどいない。コブラ指揮の録音はこの理論に基づいているため、ベートーヴェンの交響曲第9番《合唱つき》が110分（通常では70分余り）、ベートーヴェンの交響曲第5番が76分（通常では35分程度）、モーツァルトの交響曲第40番が69分、モーツァルトの交響曲第25番が52分もかけて演奏されている。

【紹介者略歴】
吉池拓男
元クラシックピアノ系ヲタク。聴きたいものがあまり発売されなくなった事と酒におぼれてCD代がなくなった事で、十数年前に積極的マニアを終了。現在、終活＋呑み代稼ぎで昔買い込んだCDをどんどん放出中。